Animación

Este es un trabajo para Teoría del Arte. es un pequeño vídeo de Animación con dibujo, totalmente hecho a mano, como se hacían los dibujos animados de Disney. 

Lo podría haber trabajado de otra manera, con Stopmotion por ejemplo pero la consigna era que pudieran hacerlo los alumnos de nuestra práctica.

Postimpresionistas

El término «Postimpresionismo» fue acuñado por el crítico británico Roger Fry. En 1910 organizó en Londres una exposición sobre pintura francesa de finales del s.XIX que tituló «Manet y los postimpresionistas». Los artistas que mejor representados estaban en dicha exposición fueron Cézanne, Gauguin y Van Gogh.

Fry reconocía que «Postimpresionismo» era un nombre bastante impreciso, ya que estos artistas sólo tenían en común una ambigua relación con el Impresionismo, del que parten para tratar de superarlo por diversos caminos.

Sin embargo, el término hizo fortuna, y su uso se ha extendido desde entonces para referise a artistas que, partiendo del Impresionismo, tratan de superar sus planteamientos expresivos, como Paul Cézanne, Paul Gauguin o Vincent Van Gogh.

Pero el Postimpresionismo es importante en la Historia del Arte porque, con sus innovadores propuestas abren el camino de la renovación pictórica que trajeron los movimientos artísticos de vanguardia. El Fauvismo, Cubismo o Expresionismo no se pueden entender sin la influencia de los Postimpresionistas.

Caracterísiticas de sus obras:

• Por una parte, frecuentemente sus recursos técnicos son los heredados directamente del Impresionismo: pincelada suelta, mezcla óptica, contraste de complementarios, etc. Los temas de los postimpresionistas también eran similares a los característicos del Impresionismo.
• Por otra parte, la relación del Postimpresionismo con respecto a la realidad es diferente a la del Impresionismo, aunque en ocasiones pinten los mismos motivos. Los Postimpresionistas buscaban ampliar los horizontes expresivos de la pintura, sin resignarse a plasmar pasivamente lo observado en la realidad (en contraste con los impresionistas, que estaban interesados en captar efectos fugaces reflejándolos en el lienzo tal y como eran observados en la Naturaleza).

Los autores reconocidos fueron: Paul Cézanne, Paul Gauguin o Vincent Van Gogh, Seurat y Signac.

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Los impresionistas

El movimiento pictórico denominado impresionismo nació en Paris en 1870 y es de los más importantes y reconocidos de la pintura contemporánea. El origen del nombre está en un cuadro de Monet titulado "Impresion, soleil levant", la crítica de entonces se burló del nuevo estilo bautizándolo como "impresionista".
  

 El impresionismo tiene muchos puntos innovadores y originales y surgió como diferenciación del realismo, imperante hasta entonces en Francia. Puedes comprobar en los cuadros expuestos las características generales que identifican las obras impresionistas:

1. se pinta la apariencia, no la existencia definida, por eso se alcanza la "desmaterialización". No importan las formas sino el aspecto puntual.
2. se pinta al aire libre (“Plein air”) para captar lo instantáneo : la luz, los contrastes, lo fugitivo, lo cambiante. Predomina lo impreciso y lo vaporoso. El pintor tiene que trabajar deprisa porque luces y colores al aire libre cambian con rapidez, y no digamos nada de las nubes, la lluvia, la niebla, la nieve, puestas y salidas de sol, etc. En los impresionistas se adivina la hora del día y la estación del año según la luz y la atmósfera. Captar el agua ( ríos, arroyos, playas) es la gran conquista de los impresionistas y les fascina puesto que está en cambio permanente.
3. Técnicamente se emplean pinceladas sueltas de colores puros, que hieren nuestra retina al verlos de cerca pero que, a cierta distancia, componen escenas definidas pues nuestra vista las compone. Si lo contemplas de cerca parecen cuadros emborronados, pero si te alejas, son visiones preciosas en su luminosidad y transparencia. Es la mezcla óptica que resuelve nuestro sentido de la vista. No se usa el negro, ni siquiera en los contornos, se busca el color limpio, puro y vigoroso con pinceladas separadas como si fuera un mosaico. 

Los autores más famosos de este movimiento fueron : Claude Monet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Degásy Camille Pissarro, auque este último fue impresionista como postimpresionista.

500 Años de Retratos de Mujer en el arte occidental

FELÍZ DÍA DE LAS MADRES

Se acerca el día de las madres y que forma mejor de festejarlo que esta. disfruten de este hermoso video.

500 Años de Retratos de Mujer en el arte occidental

6 de abril de 1528 Fallece Alberto Durero

Albretch Dürer ( Alberto Durero) Pintor Alemán

 Alberto Durero pintor y grabador Alemán, nació el 21 de mayo de 1471 en Nuremberg y falleció el 6 de abril de 1528, tecero de dieciocho hijos de un emigrante hungaro, exitoso artesano de profesión.

Durero fue catalogado como uno de los hombres de cultura universal y destacado como innovador en el campo de la xilografía (técnica de impresión con plancha de madera) y buriles (herramienta manual de corte o marcado).

Recibió conocimientos de su pintura y grabado a través de su padre orfebre.

Adán y Eva (miden 209 cm de lato y 80 cm de ancho)

Es el artista más famoso de Renacimiento alemán, la tarea de Durero se planteó en proveer a sus compatriotas de un modelo con el que pudieron combinar el interés empírico por los detalles naturalistas con los aspectos más teoricos del arte italino, hizo hincapié en la geometría y las medidas eran clave para el entendimiento del arte renacentista italiano.

Manejó las proporciones humanas basado en los textos del tratadista romano Vitrubio y en 1498 pintó su autorretratoen el que se representa con las características que habitualmente se atribuyen a Cristo.

Fue pintor de corte del emperador Maximiliano del cual realizó retratos animados por la riqueza y la variedad de las texturas.

Nos deja un legado de trabajos en 300 tallas de madera, 96 buriles, tres puntas secas y 6 aguafuertes, apuntes, manuscritos, libros y una importante obra pictorica.

Desde aproximadamente 1507 hasta su muerte,Alberto Durero  tomó notas y realizó dibujos para su tratado más conocido, Vier Bücher von menschlicher Proportion (Cuatro libros sobre las proporciones humanas, publicado póstumamente en 1528).Alberto Durero  falleció en Nuremberg el 6 de abril de 1528. Alberto Durero fue enterrado en el cementerio de San Juan.

6 de abril de 1520 Fallece Rafael

La sepultura de Cristo

(Raffaello Santi o Sanzio; Urbino, actual Italia, 1483 - Roma, 1520) Pintor y arquitecto italiano. Sus obras representan el paradigma del Renacimiento por su clasicismo equilibrado y sereno basado en la perfección de la luz, la composición y la perspectiva.

La bella Jardinera 

Su padre, que fue el pintor y humanista Giovanni Santi, lo introdujo pronto en las ideas filosóficas de la época y en el arte de la pintura, pero falleció cuando Rafael contaba once años; para ganarse la vida, a los diecisiete años trabajaba ya como artista independiente.

Desde 1504 hasta 1508, trabajó fundamentalmente en Florencia, en donde recibió la influencia del arte de Leonardo Da Vinci y Miguel Ángel.

De entre sus obras de este período (El sueño del caballero, Las tres Gracias), las más celebradas son sus variaciones sobre el tema de la Virgen y la Sagrada Familia. Los personajes sagrados, dotados de cautivadores toques de gracia, nobleza y ternura, están situados en un marco de paisajes sencillos y tranquilos, intemporales. En estas telas, Rafael da muestras de su inigualable talento para traducir a un lenguaje sencillo y asequible los temas religiosos. Su maestría en la composición y la expresión y la característica serenidad de su arte se despliegan ya en plenitud en la Madona del gran duque, La bella jardinera o La Madona del jilguero, entre otras obras.

En 1508, el papa Julio II lo llamó a Roma para que decorara sus aposentos en el Vaticano. Aunque contaba sólo veinticinco años, era ya un pintor de enorme reputación. En las habitaciones de Julio II, conocidas en la actualidad como Estancias del Vaticano, Rafael pintó uno de los ciclos de frescos más famosos de la historia de la pintura.

Sagrada familia con el cordero (1507)

Entre 1509 y 1511 decoró la Estancia de la Signatura, donde pintó las figuras de la Teología, la Filosofía, la Poesía y la Justicia en los cuatro medallones de la bóveda, para desarrollar de forma alegórica estos mismos temas en cinco grandes composiciones sobre las paredes: El triunfo de la Eucaristía, La escuela de Atenas, El Parnaso, Gregorio IX promulgando las Decretales y Triboniano remitiendo las pandectas a Justiniano, estas dos últimas alusivas a la justicia. En un espacio de gran amplitud, organizado con un perfecto sentido de la perspectiva, Rafael dispone una serie de grupos y figuras, con un absoluto equilibrio de fuerzas y una sublime elegancia de líneas. No se puede pedir mayor rigor compositivo ni un uso más magistral de la perspectiva lineal.

En la Estancia de Heliodoro, decorada de 1511 a 1514, Rafael desarrolló cuatro temas históricos, acentuando en cada uno de ellos un rasgo plástico determinado: el claroscuro en La liberación de San Pedro, la riqueza del colorido en la Misa de Bolsena, etc. En la estancia del Incendio del Borgo (1514-1517) predomina ya la aportación de los discípulos sobre la del maestro, lo mismo que en la Estancia de Constantino, donde sólo la concepción del conjunto corresponde a Rafael.

La escuela de atenas 

El pintor simultaneó la decoración de las Estancias del Vaticano con la realización de otras obras, como los frescos de El triunfo de Galatea para la Villa Farnesina. A este período corresponden también numerosos cuadros de la Virgen con el Niño, algo más solemnes y menos cautivadores que los de la etapa florentina. Los retratos romanos, en cambio, superan en veracidad y penetración psicológica a los florentinos. En ambos casos, el dibujo es de una calidad inigualable y el colorido, discreto, servidor de la forma.

A partir de 1518, Rafael se ocupó de la decoración de las Logias del Vaticano con pequeñas escenas del Antiguo Testamento envueltas en paneles de grutescos. La Transfiguración, última obra del artista, es considerada por algunos el compendio perfecto de su arte. Sus trabajos arquitectónicos, de menor importancia que los pictóricos, incluyeron la dirección de las obras de San Pedro del Vaticano.

30 de marzo de 1868, nace Koloman Moser

30 de marzo de 1868, nace Koloman Moser

 Koloman (1868 – 1918)  fue pintor, dibujante y litógrafo austriaco. 

Se dedicó al diseñado gráfico e industrial, uno de los más destacados artistas de la Secesión vienesa. Fue cofundador de la Wiener Werkstätte (Talleres de Viena) y coeditor de las revistas die Fläche y Hohe Warte. Conocido, sobre todo, por sus carteles, ilustraciones, y decoraciones para las exposiciones de la Secesión.

   

    En 1897, junto a Gustav Klimt, fundó el grupo de la Secesión de Viena. Diseñó para varias publicaciones como Ver Sacrum, Der liebe Agustin y Hohe Warte. En 1899 dio clases en las dos escuelas donde estudió. Sus elegantes diseños fueron aplicados en diferentes superficies, como tapicería, tejidos y empapelados, esto se puede ver en el catálogo “Die Quelle” (El origen) publicado entre 1901 y 1902.

    En 1903 con el diseñador Josef Hoffman y inversor Fritz Wärndorfer fundó la Wiener Werkstätte (talleres de Viena) donde realizaron estudios y objetos artesanales para el hogar de gran estética y funcionalidad, incluyendo cristalería, platería y textiles.

  En 1905 abandonó la Secesión, integrándose al “Grupo de Klimt”. Ese mismo año se casó con Editha (Ditha) Mautner von Markhof. En 1907 se retiró de los Talleres de Viena debido a los conflictos en la administración de los mismos.

   Murió en Viena en 1918. A lo largo de su vida, Moser diseñó diferentes tipos de piezas gráficas como libros y gráficos (para estampillas, viñetas para revistas, moda, vitrales, porcelanas y cerámicas), también trabajó en vidrio soplado, vajilla, mosaicos decorativos, platería, joyería y mobiliario, etc.

Nace Vincent Van Gogh

30 de marzo  de 1853 Nace Vincent Van Gogh

Los girasoles

(Groot-Zundert, Países Bajos, 1853 - Auvers-sur-Oise, Francia, 1890) Pintor holandés. Vincent Van Gogh era el mayor de los seis hijos de un pastor protestante, y mantuvo con su hermano Theo, cuatro años menor que él, una relación que sería determinante en su existencia y su trayectoria artística. La correspondencia que ambos intercambiaron a lo largo de toda la vida es el testimonio de la intensidad de esta relación.

Con dieciséis años entró como aprendiz en la filial de La Haya de la galería de arte parisina Goupil & Cie., fundada por su tío Vincent; allí conoció las obras de la escuela de Barbizon.

 El traslado de Van Gogh a Londres en 1873 señaló el inicio de una primera etapa creativa. Tras un rechazo amoroso,se volvió cada vez más solitario, hasta que en 1878 se vio impedido por la necesidad de entregarse a sus semejantes, y tras intentar estudiar teología, decidió satisfacer su vocación uniéndose a los mineros de la Borinage. En este período realizó una serie de dibujos de los mineros.Hacia 1880, tras ser expulsado por su excesiva implicación, descubrió en la pintura su auténtica vocación, considerándola una vía para consolar a la humanidad. En los primeros años de la década de 1880 estudió con diversos pintores, entre los que cabe destacar a Anton Mauve.  

Su rápida evolución y el conocimiento de los impresionistas lo llevaron a abandonar la enseñanza académica y a reunirse con Theo en París en 1876.

Su hermano le presentó a Pissarro, Seurat y Gauguin, y esta situación coincidiría con la definición de su pintura. Su paleta se tornó definitivamente colorista y su visión, menos tradicional, dando forma a su personal visión del postimpresionismo. Su interés por el color y por la captación de la naturaleza lo indujo a trasladarse a Arles, donde su obra fue progresivamente expresando con mayor claridad sus sentimientos sobre lo representado y su propio estado mental.

Con la pretensión de crear el grupo de los «impresionistas del sur», Van Gogh alquiló una casa donde invitó a los artistas con quienes compartía intereses y en la que Gauguin pasaría dos meses. La primera crisis mental, en la que se cortó parte de la oreja izquierda, tuvo lugar en la Navidad del mismo año 1888.

En abril del año siguiente, ante el temor a perder su capacidad para trabajar, pidió ser ingresado en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence donde permaneció doce meses. Tras sufrir diversos ataques y ante la imposibilidad de salir al exterior a pintar, realizó obras relacionadas con el hospital, retratos de médicos y reinterpretaciones de obras de Rembrandt, Delacroix y Millet.

La pérdida de contacto con la realidad y una progresiva sensación de tristeza son las claves de este período en el que Van Gogh desarrolló un estilo basado en formas dinámicas y en el uso vigoroso de la línea, de lo cual resultó una pintura más intrépida y visionaria que la de Arles.

Sin conseguir superar el estado de melancolía y soledad en que se encontraba, en mayo de 1890 se trasladó a París para visitar a su hermano Theo. Por consejo de éste, viajó a Auvers-sur-Oise, donde fue sometido a un tratamiento homeopático.

En este pequeño pueblo retrató el paisaje y sus habitantes, intentando captar su espíritu. Su estilo evolucionó formalmente hacia una pintura más expresiva y lírica, de formas imprecisas y colores más brillantes. Pese a que unos meses más tarde el doctor Gachet consideró que se encontraba plenamente curado, su estado de ánimo no mejoró debido a los sentimientos de culpa provocados por la dependencia de su hermano Theo y por su fracaso profesional. Sumido en esta situación de angustia, el 27 de julio Van Gogh se descerrajó un disparo en el pecho; murió dos días más tarde.

Maja desnuda (detalle)

30 de Marzo de 1746 Nace Francisco Goya

El conocido pintor Francisco José de Goya y Lucientes, llamado simplemente como Francisco Goya, ha nacido en Fuendetodos, Zaragoza, un 30 de marzo de 1746.
Su formación artística se ha debido a que su padre era pintor y dorador de retablos, lo que lo ha hecho desear seguir los pasos de el mismo.

Exposición "Los caprichos de Goya" Montevideo Octubre de 2010

En 1766 el artista entabla una amistad con otro artista aragonés llamado Francisco Bayeu, pintor de la corte que trabajaba en el estilo académico introducido en España por el pintor alemán Anton Raphael Mengs. Este nuevo compañero de Goya ha tenido una enorme influencia en la formación temprana de Goya y, gracias a él Francisco participara en un encargo importante, los frescos de la bóveda de la basílica de Nuestra Señora del Pilar de Zaragoza en 1772.

los caprichos 

Nadie fue más sordo que Goya al siglo XIX, pese a haber cumplido en él casi tres décadas y haber sobrevivido a sus feroces guerras. Se quedó sordo de verdad cuando amanecía la centuria, pero no ciego. Y a fuer de mirar a su aire se convirtió en un visionario. Ese hombre cabal, lúcido y baturro gestó las pesadillas que creemos tan nuestras afincado en un Versalles provinciano y en una Ilustración de pueblo. La dieciochesca, acanallada España que le tocó vivir le valió para todo y para nada. Su tozudez y brío fueron su patrimonio: con tales alforjas saltó desde su infancia hasta la infancia de las vanguardias, que en el siglo XX lo reivindicaron como maestro. Nadie se explica aún ese raro fenómeno: fue un pintor y un profeta solitario venido desde antiguo hasta ahora mismo sin pasar por la Historia.

los caprichos 

El 9 de junio de 1796 muere el duque de Alba, y en esa misma primavera Goya se traslada a Sanlúcar de Barrameda con la duquesa de Alba, con quien pasa el verano, y allí regresa de nuevo en febrero de 1797. Durante este tiempo realiza el llamado Album A, con dibujos de la vida cotidiana, donde se identifican a menudo retratos de la graciosa doña Cayetana. La magnánima duquesa firma un testamento por el cual Javier, el hijo del artista, recibirá de por vida un total de diez reales al día.De estos hechos arranca la leyenda que quiere que las famosísimas majas de Goya, "La Maja vestida" y "La maja desnuda", condenadas por la Inquisición como obscenas tras reclamar amenazadoramente la comparecencia del pintor ante el Tribunal, fueran retratos de la descocada y maliciosa doña Cayetana, aunque lo que es casi seguro es que los lienzos fueron pintados por aquellos años. 

  

Un nuevo misterio entraña la inexplicable retirada de la venta, por el propio Goya, de una serie maravillosa y originalísima de ochenta aguafuertes titulada Los Caprichos, que pudieron adquirirse durante unos pocos meses en la calle del Desengaño nº 1. Su contenido satírico, irreverente y audaz no debió de gustar en absoluto a los celosos inquisidores y probablemente Goya se adelantó a un proceso que hubiera traído peores consecuencias después de que el hecho fuera denunciado al Santo Tribunal. 

Los fusilamientos del 3 de mayo

El 3 de mayo de 1808, al día siguiente de la insurrección popular madrileña contra el invasor francés, el pintor se echa a la calle, no para combatir con la espada o la bayoneta, pues tiene más de sesenta años y en su derredor bullen las algarabías sin que él pueda oír nada, sino para mirar insaciablemente lo que ocurre. Con lo visto pintará algunos de los más patéticos cuadros de historia que se hayan realizado jamás: el Dos de mayo, conocido también como "La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol en Madrid" y el lienzo titulado Los fusilamientos del 3 de mayo en la montaña del Príncipe Pío de Madrid.

En Los fusilamientos del 3 de mayo, la solución plástica a esta escena es impresionante: los soldados encargados de la ejecución aparecen como una máquina despersonalizada, inexorable, de espaldas, sin rostros, en perfecta formación, mientras que las víctimas constituyen un agitado y desgarrador grupo, con rostros dislocados, con ojos de espanto o cuerpos yertos en retorcido escorzo sobre la arena encharcada de sangre. Un enorme farol ilumina violentamente una figura blanca y amarilla, arrodillada y con los brazos formando un amplio gesto de desafiante resignación: es la figura de un hombre que está a punto de morir.

El maestro murió en Burdeos, hacia las dos de la madrugada del 16 de abril de 1828, tras haber cumplido ochenta y dos años, siendo enterrado en Francia. En 1899 sus restos mortales fueron sepultados definitivamente en la ermita de San Antonio de la Florida, en Madrid, cien años después de que Goya pintara los frescos de dicha iglesia (1798).

29 de marzo de 1891 Fallece Georges Piere Seurat

Un domingo de verano en la Grande Jatte (1886)

París, 1859-1891. Nació el día 2 de diciembre de 1859, y sería quien luego se convertiría en un pintor francés y en el fundador del Neoimpresionismo.
 Ingresó muy joven en el taller de Lehmann, donde aprendió las teorías acerca de la luz y el color inspiradas en el clasicismo de Ingres. 
Este hombre tuvo una corta vida, pero en la pintura francesa ha dejado una huella inigualable, al mudarse en su juventud a un estudio cercano a su anterior casa, comienza su relación secreta con  Madeleine Knobloch, una joven modelo con quien mantendría su romance en secreto hasta pocos días antes de su muerte.

El baño (1884)

Participó en la fundación del Salón de Artistas Independientes, que agrupaba pintores de nuevas tendencias como el neoimpresionismo o el puntillismo. Llevó al límite la experiencia impresionista y, en lugar de reproducir los efectos de la luz, empezó a pintar mediante toques aislados y a plasmar las formas reducidas a sus características esenciales.Seurat toma de los teóricos del color la noción de un acercamiento científico a la pintura. Seurat creía que un pintor podía usar el color para crear armonía y emoción en el arte de la misma forma que los músicos usan variaciones del sonido y el tempo para crear armonía en la música. Seurat teorizó que la aplicación científica del color era como cualquier otra ley natural, y se condujo a probar esta conjetura. En un lapso de siete años realizó sus cuadros más importantes: El baño (1884), Un domingo de verano en la Grande Jatte (1886), su obra maestra, y Parada del circo (1888), entre muchas otras. Los aspectos técnicos de su obra influyeron en los fauves, y sus rigurosos estudios teóricos, en los cubistas.

28 de marzo de 1985 Fallece Marc Chagall

Marc Chagall es un artista judío ruso que vivió de 1887 a 1985. Su pintura es poética y llena de símbolos. Destaca en toda su obra su profundo conocimiento expresivo del color. Es el color el que organiza las ideas, formas y en definitiva, el mensaje de sus cuadros.

El cumpleaños

Con poesía y surrealismo en las formas.

Apasionadamente con el color. Sin perder la armonía puesto que es el color el que integra las formas y domina la sensación final.

Para expresar su amor y su cariño, pinta besos, abrazos y ramos de flores.

Para expresar sus preocupaciones y su agitada mente pinta su cabeza al revés.

Para expresar lo que es alegre y lo que llega de repente, pinta sus figuras volando.

Para expresar sus pensamientos organiza una serie de formas y figuras que surgen de cualquier sitio pero se establecen con la pasta de color sin perder su movimiento.

La aldea y yo

Algunos de sus trabajos más importantes son La aldea y yo (1911), El violinista verde (1923-1924, Museo Guggenheim, Nueva York), El cumpleaños (1915), Soledad (1933, Museo de Tel Aviv). Hoy en día, una pintura de Chagall se puede vender por más de 6 millones de dólares. Sus litografías también alcanzan un considerable valor. 

Sus trabajos se pueden encontrar en la Ópera de París, la Plaza del Primer Banco Nacional en el centro de Chicago, la Metropolitan Opera House de Nueva York, la catedral de Metz (Francia), la Catedral de Fraumünster en Zurich (Suiza), y la Iglesia de San Esteban en Mainz (Alemania). El museo que lleva su nombre en Vitebsk fue fundado en 1997 en el edificio donde habitó su familia. Dicho museo sólo tiene copias de su trabajo, pues durante los tiempos soviéticos fue considerado persona non grata y no se reunieron ejemplares de sus obras. 

En 1981, recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.
Murió a la edad de 97 años y está enterrado en el Museo del pueblo de Saint Paul, Saint-Paul de Vence (cerca de Niza, Francia). 

"Recojo estas Frases:

El arte es sobre todo un estado del alma.
Si creo desde el corazón, casi todo funciona, si lo hago desde la cabeza, casi nada.
Sólo me interesa el amor, y estoy solo en el contacto con las cosas que giran en torno del amor.
En nuestra vida hay un solo color, como en la paleta de un artista, que ofrece el 

significado de la vida y el arte. Es el color del amor"

2 de abril de 2011 Bolsas Candy Wrapper

Aunque sea de no creer estas bolsas se venden muy caras por el mundo.

Este video es de una Feria de Atlanta y nos muestra varios modelos de bolsos monederos, etc.

Está en nosotros poder realizar esta tarea.

Descripción del video: "Increíble monederos, bolsos de mano, embragues y libros de bolsillo a partir de envoltorios de caramelos".

19 de Marzo de 1888 nacimiento de Josef Albers
 (Bottrop, 1888-New Haven, 1976) Pintor, grafista y diseñador alemán nacionalizado estadounidense. Estudió la inestabilidad de la forma y revolucionó el carácter estático de la pintura. Realizó, en la Bauhaus, los primeros collages de vidrio traslúcido, que permitían continuas variaciones de luz. Fue el primero en plantear los principios del arte óptico sobre una superficie plana. Su geometría, muy pura y serena, anuncia la pintura cool.
Nació en Alemania en 1888. Estudió en la Bauhaus entre 1920 y 1923.
Fue profesor de dibujo de la Bauhaus en Weimar entre 1923 y 1925, en Dessau entre 1925 y 1932 y en Berlín desde 1932 hasta 1933. Recalcó la importancia de la funcionalidad en el diseño moderno. Después de que los nazis cerraran la Bauhaus en 1933, Albers fue al Black Mountain College, en Carolina del Norte, donde enseñó los principios de la Bauhaus a sus alumnos, entre los que se encontraban Robert Rauschenberg y el compositor John Cage. Cuando en 1950 la universidad de Yale creó un departamento de diseño, nombró director a Albers, puesto en el que se jubiló en 1958. La obra de Albers se caracteriza por sus formas rectilíneas en colores fuertes y planos, cuya interrelación acentúa el efecto abstracto, puramente óptico de la composición. En su famosa serie experimental Homenaje al cuadrado, que Albers comenzó a principios de la década de 1950, utiliza el cálculo de formas cada vez menores para ilustrar su teoría de que los cambios de lugar, forma y luz producen cambios en el color. La Interacción del color (1963) es un ejemplo de su investigación cromática. Su obra influyó en el Op Art y en el arte minimal de la década de 1960.

Murió en Estados Unidos en 1976.

Albers está considerado quizá, junto con Vasarely, como el gran impulsor del arte óptico.

15 de marzo de 1997, muere Víctor Vasarely

(Pecs, 1908 - París, 1997) Pintor húngaro afincado en París, asociado al arte cinético. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo.
Es nada más y nada menos que al que se le considera el padre del Op-Art; o sea el llamado arte óptico. 
su obra se caracteriza por estar formada de figuras geométricas perfectamente trazadas, todas con un toque único que caracterizaba a Vasareley, su agudo y preciso sentido de la iluminación y profundidad, hace las obras de Vasareley practicamente únicas.

Entre 1927 y 1929 estudió en la Academia Poldini-Volkman de Budapest y en 1930 se instaló en París, donde trabajó como creador gráfico para agencias de publicidad. Tras un periodo de expresión figurativa, opta por un arte abstracto constructivo y geométrico, interesándose por la perspectiva sin puntos de fuga.

Entre 1936 y 1948 participa regularmente en el Salón de los Surindependientes y en el Salón de las Nuevas Realidades. A partir de 1948 expone habitualmente en la galería Denise René. En los años cincuenta introduce nuevos materiales en su trabajo (aluminio, cristal) y comienza a realizar obras de integración con el espacio, como Homenaje a Malevich. En los años sesenta participa en numerosas exposiciones colectivas, como The Responsive Eye del Museo de Arte Moderno de Nueva York, así como individuales en Europa y América.

Recibe el Premio Internacional Guggenheim en 1964 y el Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo en 1965. En estos años realiza obras bidimensionales que sugieren visualmente el movimiento y obras tridimensionales que requieren el desplazamiento del espectador para producir el efecto cinético. A finales de los años sesenta recibe nuevos reconocimeintos a su trabajo, como el Premio de Pintura del Instituto Carnegie de Pittsburg. Participa, entre otras, en la exposición titulada Lumière et Mouvement en el Museo de Arte Moderno de París en 1967. En 1970 se inaugura el Museo Didáctico Vasarely en el castillo de Gordes en Vaucluse y en 1976 se inaugura la Fundación Vasarely en Aix-en-Provence.

Fuentes-Biografías y vidas